Jurassic World: io sto coi dinosauri

Una cosa è certa: ci si dispiace più per la morte dei dinosauri che per quella dei cristiani. Il che è anche un passo avanti nelle dinamiche di una saga che scopre un'accesa vocazione animalista mostrando, con rigurgito etico, i denti dell'horror alle follie della genetica: anche perché qui, a forza di esprimenti idioti, l'unico che meriterebbe di estinguersi è proprio l'uomo... Chiaro, ci si diverte con <Jurassic World-Il regno distrutto>: la definizione (anche <sentimentale>) dei <bestioni> è sempre più curata, la tensione e gli spaventi non mancano, il ribaltamento narrativo (qui sono T-Rex e C a rischiare la vita ancora più che l'allegra compagnia di scienziati, magnati e avventurieri...) fa pensare alla riabilitazione degli indiani (a discapito dei cowboy) di certi western. Il rischio, piuttosto, è quello di cadere nella sindrome de <Lo squalo> (capolavoro il primo, poi da lì in poi un po' sempre la stessa menata) o, peggio, nell'effetto goliardico tipo <Una notte al museo>. Bayona, regista di <The impossible>, dimostra di avere un certo feeling con il catastrofico, anche se in certe trappole ci finisce con tutte le scarpe, prestando maggiore attenzione ai suoi giganti preistorici che a personaggi unidimensionali che fanno invariabilmente sempre la stessa cosa. Punta al survivor, ma a volte giochicchia un po' troppo, perdendosi in numeri da domatore.

Un prologo ultra spettacolare (anche se già ampiamente in zona fumetto) apre la strada al quinto capitolo della serie, che si riallaccia direttamente al film di 4 anni fa: un vulcano minaccia l'esistenza dei dinosauri superstiti alla distruzione del parco Jurassic World. Jeff Goldblum, tornato (con barba) nel franchise dopo 21 anni, lascerebbe volentieri che la natura facesse il suo corso. Ma Claire e Owen, coppia già scoppiata, partono per una missione di salvataggio: che non è esattamente quello che credono...

Ora, la trama in sé è abbastanza irrisoria se non fosse per il cambiamento radicale del punto di vista (salvereste a ogni costo delle creature spaventose che vorrebbero mangiarvi in un sol boccone?) che non limita comunque il concitato fuggi fuggi generale, contribuendo allo stesso tempo a spalancare nuovi scenari. Bene a corrente alternata nella prima parte dove c'è un che di adventure anni '40, <Jurassic World 2> si mostra molle nell'intermezzo centrale (che porta in auge caricaturali cattivi da operetta), recuperando nel finale dove è tana libera tutti, prodromo di nuove, interessanti (basta non ne facciano l'ennesimo <Godzilla>...), sfide. Con un territorio di caccia, un campo di battaglia, ampio e inedito: il mondo.

La truffa dei Logan, l'Ocean's eleven degli sfigati

Nell'America che ha votato Trump, sulle note di John Denver, dove sui pick up girano ancora le musicassette, le bimbe partecipano ai concorsi di bellezza, i pantaloni delle signorine sono corti e le unghie lunghissime, l'imprevedibile Steven Soderbergh si rimangia (per nostra fortuna) l'idea di un sin troppo precipitoso ritiro tornando al cinema con <La truffa dei Logan>, l'<Ocean's eleven> degli sfigati: una sorta di versione operaia, contadina e bifolca - ma non meno (anzi...) divertente - di quel suo successo assai più dandy e luccicante. Una commedia d'azione che celebra i losers, gettando un occhio all'umorismo dei Coen: scritto con grande disinvoltura, col solito congegno narrativo a doppio fondo caro al regista di <Traffic>, bei momenti surreali (esilarante la rivolta in carcere) e un senso felice del paradosso, <La truffa dei Logan> è un heist movie che lavora sul genere, tra criminali da strapazzo, auto veloci e <maledizioni>.

Uno sguardo ironico e per nulla accusatorio a un'America fonda, dove sopravvive senza frizzi e lazzi un'umanità male in arnese: come i fratelli Logan, uno mezzo zoppo, l'altro con un braccio finto perché quello vero lo ha lasciato in Iraq. La jella li perseguita, ma, ormai al verde, progettano il colpo grosso...

Tatuaggi, soldi, stivali, piloti new age, anziane signore che guidano macchine viola coordinate con l'abito: rocambolesco e divertente, il film arruola nella sua armata Brancaleone un cast super cool: da Channing Tatum a Adam Driver, passando per un ossigenato Daniel Craig e per la scoperta Riley Keough, 28enne in ascesa che forse sogna di diventare più famosa del nonno Elvis Presley.

Lazzaro felice, parabola che odora di buono

Ha una verità di paesaggi, di cose, di ciminiere, di tazzine di caffè spaiate, di erba orgogliosa che cresce dove non ti aspetti a costo di bucare l’asfalto, di santini da tenere sotto il materasso, il cinema intimo, rurale, quasi assente di Alice Rohrwacher; un'aria rarefatta che si porta dietro una poesia sincera, amara eppure tenera, dove gli ultimi saranno e resteranno sempre gli ultimi, ma almeno saranno liberi: un che di zavattiniano, un modo alla Olmi, un'eco di Citti e Pasolini, una piccola speranza nel mondo orrendo dove gli sfruttati di ieri sono i miserabili di oggi.

Premiato all'ultimo Festival di Cannes per la miglior sceneggiatura (ad ex aequo con «Trois visages», il docu-film dell'iraniano Panahi), accolto sulla Croisette da applausi insistenti (tra cui quelli di Roberto Benigni che è saltato - non metaforicamente - sul tappeto rosso per sostenere la moglie Nicoletta Braschi che qui ha un piccolo ruolo), già comprato per gli Usa dalla potentissima Netflix, «Lazzaro felice», terza regia della 36enne autrice di Fiesole (che anche stavolta dirige la sorella Alba), racconta il grande tradimento (e la conseguente fine) della civiltà contadina attraverso la parabola «francescana» di un Candido moderno (il Lazzaro del titolo), giovane che «odora di buono», ingenuo e innocente, che, in un passato ancora recente, lavora (non pagato, quasi fosse un servo della gleba) come bracciante in campagna.

Un giorno si ammala: si risveglierà ai giorni nostri. Dove tutto è cambiato: e non in meglio. Sospesa nel tempo, disuguale, gentile, stranita, l'originale fiaba della Rohrwacher traveste coi panni del realismo fantastico un manifesto politico che getta un ponte immaginario tra l'Italia contadina, tenuta per anni nell'ignoranza e nell'isolamento dai «padroni» e quella odierna della grande crisi, smarrita e svuotata di senso e ruolo, costretta a camminare sullo strapiombo dell'etica. Un acquerello che assomiglia a un fiore non ancora appassito, «Lazzaro felice», che conta in egual misura meriti e rischi, con quelle trappole che si costruisce da solo, quel suo naturalismo che al medesimo tempo attrae e respinge. Frutto di un cinema che non ama gli schemi e pratica il vizio di essere giusto in un mondo sbagliato. Cercando, nell'opporsi al cinismo imperante, i suoi simili: come un lupo che ulula nella convinzione che qualcuno, da qualche parte, risponda.

2001:Odissea nello spazio torna al cinema: e 50 anni dopo è sempre nel futuro

La ragione per cui adoro <2001> è che mi frega sempre. Con l’Odissea di Kubrick è così: non si può vincere. Perché non è simile (nemmeno lontanamente) a nulla che puoi vedere adesso. Ma nemmeno a niente di quello che hai già visto prima. Perché, nonostante sia uscito la prima volta nelle sale 50 anni fa,  non appartiene al passato né tantomeno (nonostante ieri e oggi sia  tornata nella versione restaurata e rimasterizzata, nei cinema) al presente:  <2001: Odissea nello spazio> appartiene solo al futuro. Là da dove proviene, là dove, costantemente, insistentemente, sembra sempre proiettarsi, rivolgersi. Come se fosse un film che non è ancora stato fatto: un film che non esiste, se non nel ricordo sbiadito di qualcosa che non è mai accaduto. Come e più di <Shining>, <2001> ha su di noi un potere oscuro, un potere mistico, segreto: qualcosa che va al di là di una carica ipnotica inspiegabile eppure evidente sin dalle primissime sequenze, che va oltre a un prologo grandioso, a un finale <irraggiungibile>. <2001> non è solo il film più audace di Stanley Kubrick, ma probabilmente anche quello più moderno. Moderno, e tuttora inedito se mai è possibile in quanto imitatissimo (ma inimitabile), nella struttura del racconto, nella scelta dell'inquadratura, nel rivoluzionario sguardo sinfonico con cui il geniale regista riscrive le regole del genere: girando, un anno prima che l'uomo sbarchi sulla Luna (ma c'è una famosa e assurda tesi complottista che dice che in realtà fu proprio Kubrick a girare il falso allunaggio...), <il film definitivo di fantascienza>.

Un capolavoro assoluto che non anticipa una nuova visione: ma semplicemente la crea. Il regista sapeva che non esistevano lenti e macchine in grado di imprimere sulla pellicola i suoi concetti visionari: e così, invece di accontentarsi di ciò che la tecnica proponeva in quel momento, fece in modo che venissero prodotte appositamente per il film. Inventò cioè gli strumenti che potessero rendere possibile e tangibile il suo pensiero: che potessero dare forma a quella idea di cinema che nessuna macchina da presa era allora capace di <imprigionare>. Ha ragione Christopher Nolan, il grande autore di <Interstellar> e <Dunkirk>, che lo scorso mese ha presentato la versione rimessa a lucido di  <2001> al Festival di Cannes: <Questo è un film che ha cambiato il cinema e spalancato una finestra per tutti i registi che sarebbero venuti dopo. Perché in fondo i limiti non sono reali, esiste soltanto la nostra immaginazione>.

E' dannatamente vero: preso in prestito un raccontino poco conosciuto  dello scrittore inglese Arthur C. Clarke – che dopo ogni seduta di sceneggiatura con il regista newyorchese doveva andare a stendersi

perché gli girava vorticosamente la testa -, Kubrick lo trasforma in un oggetto cinematografico irripetibile: un'esperienza visiva, che, sono parole sue,  capace di  penetrare col suo contenuto emozionale e filosofico il subconscio dello spettatore. L'osso scagliato in cielo dalla scimmia diventa astronave, l'uomo supera lo stadio <bestiale> grazie alla tecnologia, ma progredisce (e si fa superuomo) solo liberandosi di essa, affrontando il computer ammutinato per spegnerlo, per <ucciderlo>. Quello che in Clarke  era semplicemente una lotta uomo/macchina – ma lo scrittore negò che il nome del computer di bordo, Hal 9000, fosse una malevola citazione (che lettere ci sono nell'alfabeto dopo l'acca, la a e la elle?) della Ibm -, con Kubrick diventa saggio filosofico sull'evoluzione, su Dio, sul mistero. Il famoso monolite nero – alieno e non identificato – che è alla base del film altro non è che lo stesso regista, il suo carisma, il suo impenetrabile talento. Lo stesso che lo convince ad affidare le musiche della pellicola ad Alex North (il compositore di <Spartacus>) e poi a non utilizzarne nemmeno una nota: a forza di chiedergli <qualcosa di classico> Kubrick decise di servirsi di musica già esistente. Strauss, ad esempio: nacque così, il valzer delle astronavi, una delle sequenze più affascinanti di tutti i tempi. Aneddoti che sono leggende: e che ora che l'attore protagonista, Keir Dullea, assomiglia davvero a quel se stesso vecchio che incontra nel film, accompagnano con nuova profondità l'angoscia di un computer umano troppo umano che nel giro girotondo di una filastrocca mandata a memoria ha ancora il tempo di ammettere di avere paura di morire.

Meglio Solo che male accompagnato: ma l’impero non colpisce più

Affidereste a Richie Cunningham il destino della vostra saga preferita? D'accordo, meglio Solo  che male accompagnato,  ma in questa galassia di proposte (e produzioni) stellari a getto continuo, nel caotico rewind di una mitologia che cerca di rinnovarsi voltandosi indietro, stavolta era lecito aspettarsi di più: lo meritava il personaggio, lo meritava il pubblico. L'impero però non colpisce più: e lo spin off di Ron Howard su Han Solo, l'eroe romantico e insubordinato (che diede fama e fortuna a Harrison Ford) di <Star Wars>, pure se spettacolare e divertente, si ferma alla superficie, alla curiosità, ma manca quasi totalmente di drammaturgia. Anche se i fan avranno la loro bella soddisfazione: scopriranno infatti l'origine del cognome del protagonista, ma anche come ha conosciuto il mitico Chewbecca... Insomma, gli ingredienti ci sono: è che il solito, avventuroso,  mix di azione e ironia lascia un po' il tempo che trova. Rivisitata la saga con spirito old fashion e attenzione ai generi classici (l'attacco al treno e il finale richiamano il western, la missione invece l'heist movie), Howard si destreggia tra sparatorie, salti nel vuoto e combattimenti corpo a corpo; per dirla con un francesismo si cazzeggia molto: e i dolori del giovane Han restano in secondo piano. Sciapo, poco carismatico nella costruzione, <Solo>, si gioca comunque la carta della simpatia: per fare fuoco e fiamme al botteghino sarà certamente sufficiente.