Non succede ma se succede…: il cenerentolo 2.0 e l’aspirante presidentessa

Lui è un Cenerentolo 2.0, giornalista ultra nerd, sfigato senza appello, vestito male e male assortito; lei è una gnocca superstar bella come (fate vobis) Charlize Theron, una bionda alta tre metri, elegante e candidata alla presidenza <iuesei>: che ci azzeccano insieme? Nulla: e ovviamente questo è il bello. Perché l'amore è cieco, ma il cinema ha tutte le diottrie a posto. Vero: può sembrare sciocchino (e forse lo è) <Non succede ma se succede...>, ma sul canovaccio logoro della love story più improbabile (ricordate <Shrek?>) imbastisce una commedia satirica e anticonformista che non risparmia colpi bassi, pertinente e sul pezzo (brutto titolo a parte...) nello smontare le trappole sdolcinate del film romantico a forza di trovate politically incorrect. Si pensa ai Farrelly e anche agli script di Diablo Cody, ma in realtà qui si cerca di fare scoccare la scintilla dal singolare incontro tra  uno degli sceneggiatori di <South Park> con l'autrice del copione di <The Post>. La mossa, avventata, produce i suoi effetti, mentre il regista Jonathan Levine, specialista in risate, sbroglia la matassa. Non c'è grande equilibrio nella storia del ghost writer idealista che finisce cotto per la sua ex baby sitter ora diventata segretario di stato: ma il film ha qualcosa di figo (come quando spara <I'm on fire>), sprazzi divertenti, un senso del bizzarro che non guasta. Esplicita e senza rete, la commedia sposa il grottesco senza rimanerne vittima: e trova in Seth Rogen e nella Theron, due interpreti disinvolti e bene assortiti. Elogio vivente alla strana coppia.

Joker, l’ultima risata della SOLITUDINE

E’ quella cosa lì, «Joker»: è la risata del suo protagonista. Incontrollabile, irrefrenabile, inopportuna. Più un tragico singhiozzo, il rumore del disagio, l’imbarazzo della malattia, che non gioia, vera o simulata. Un riso che nasconde un dolore, lancinante, spaventoso: capace di ammansire, addomesticare, anche il leone più feroce. Quello d’oro, di Venezia, che ha vinto tra gli applausi un mese fa.

E’ più «Taxi driver» (fatte le debite proporzioni) che «Batman» il «Joker» di Todd Phillips, un film edipico e potente che ti costringe a solidarizzare col «cattivo», il ritratto bigger than life di un loser privato di ogni affetto. In una città sepolta dai rifiuti (chi è il sindaco, la Raggi?) e sopraffatta dalla violenza, la crudele parabola del comico che non faceva ridere nessuno, fantasma invisibile nella giungla d’asfalto, clown triste, depresso e solo in una società di pagliacci che non fa altro che escluderlo, che emarginarlo. Già, è un mondo folle: difficile non impazzire...

 E’ pensato in grande, anche se sale sulle spalle di un solo personaggio, «Joker», all’altezza delle sue ambizioni, della profondità del suo dolore: la visione adulta e originale di un «villain» iconico (da 60 anni a questa parte) dei fumetti, trasportato in una realtà altrettanto metaforica, eppure realistica, ruvida, amara. Una rivisitazione efficacissima dei primi anni ‘80 (al cinema danno - omaggio a De Palma - «Blow out»...), quelli pre web e cellulare, in cui, con non poca finezza, il regista Todd Phillips (è quello della saga di «Una notte da leoni») si allontana in modo netto dai cinecomics (i superpoteri? Qui al massimo sono rabbia e disperazione) non perdendo però allo stesso tempo di vista il contesto (Gotham sembra New York ma è pur sempre Gotham e c’è anche un Bruce Wayne bambino...) in cui il personaggio è nato e cresciuto. Un’operazione di grande maturità che si ritaglia un posto privilegiato tra le mille divagazioni fumettistiche, anche molto fortunate, di questi anni: e che, volutamente, tiene compressa l’azione, lasciandola detonare con studiata parsimonia. Perché più che il sangue, qui interessa il deserto morale che ci circonda, la crescente disumanizzazione, la rivolta, cieca, di una massa dileggiata, la mancanza di punti di riferimento, di padri, di chi insegue, spesso invano, la propria rivincita.

È questa fotografia, soprattutto, che rende speciale un film che a tratti si dilunga, ma che si rivela interessante anche nella scelta delle fonti: vedi la presenza non casuale di De Niro, ancora una volta «Re per una notte».

Dettagli non da poco per un film che può permettersi di piacere a tutti (critici e pubblico), grazie anche all’interpretazione «monstre» di Joaquin Phoenix: guardate il lavoro che fa sul corpo, scarnificato, la postura, il modo di camminare, quello in cui dal niente si mette a ballare. La prossima volta che lo sentirete ridere, forse, sarà alla notte degli Oscar.

Ad Astra: la solitudine di Brad Pitt tra le stelle

<Per aspera ad astra>

E sì, il percorso è disseminato di difficoltà, impervio è il cammino che porta lassù, dove <lucean le stelle>. Lo sapevano gli antichi: lo sa anche James Gray, gran cantore minimalista della quotidianità, che stavolta mira (molto) in alto partendo dal futuro per arrivare a quello che in realtà gli sta più a cuore: l'oggi, l'uomo, il <noi adesso>, dove assenza è ancora e sempre più acuta presenza.

Cerca un padre, ma ne ha moltissimi <Ad Astra>, il fanta film edipico e suggestivo che Gray ha portato di recente all'ultima Mostra del cinema di Venezia: ricorda <Apocalypse now> in quella sua ricerca nel profondo, ha tanto di <Interstellar> con cui condivide anche il direttore della fotografia), ma anche reminiscenze di <2001> (quel misterioso accarezzare la faccia filosofica del genere) e persino di <Strategia del ragno> (anche se nessun altro ve lo dirà); disseminato di richiami alti (alla cui altezza non sempre riesce a stare), si interroga sull'io, là dove il grande enigma più che <dove andiamo> è <chi siamo>.

Il governo ordina a un astronauta (Brad Pitt: ottimo il suo antidivistico lavoro di sottrazione) di partire al più presto per una missione segreta: deve ritrovare nello spazio il padre eroe che tutti credevano morto. E che ora, forse, sta minacciando la Terra...

Acclamato dalla critica Usa, <Ad Astra> è un film intimista ambientato paradossalmente nello spazio più infinito (la terra di nessuno della nostra coscienza), un dramma introspettivo che paga il confronto con <Gravity> (anche in termini, imprevedibilmente, di credibilità), ma che ha dentro sin dall’inizio un senso d’addio, una solitudine siderale e contemporanea, che è qualcosa che ci appartiene. E che, soprattutto, ci riguarda.

La mafia non È piu’ quella Di una volta. Maresco invece si’

Il cantante è stonato, il giorno di dolore  è trasformato in sagra, in parata, la statua di don Puglisi assomiglia a Berlusconi, al posto della Madonna appaiono i magistrati e la paura non fa novanta ma permette di comunicare via radio con gli alieni. E se proprio vogliamo dirlo, anche <La mafia non è più quella di una volta>. Palermo e la Sicilia invece sì: e anche se il sorriso scappa spesso  non c'è davvero niente da ridere.  Premio speciale della giuria a Venezia (assegnato con coraggio e generosità), l'ultimo film del <cinico tv> Franco Maresco, regista-antropologo insonne, scettico e allergico alla mondanità, è un grottesco documentario che l'autore dedica a una città  infastidita dal ricordo di Falcone e Borsellino, dove convivono grandi fotografe che non hanno perso la speranza come Letizia Battaglia e cialtroneschi impresari di cantanti neomelodici quali Ciccio Mira. Divertente e dissonante, il film, ambientato in una Sicilia omertosa dove non si può dire, nemmeno sottovoce, abbasso la mafia <perché è una frase che non esiste nel nostro vocabolario>, è, seppure ripetitivo, una testimonianza dissacrante ma attualissima di un'Italia bella e perduta che ha perso la memoria ma non il senso dello sdegno.

Burning: sinuoso, intriGante e raro

Basterebbe il piano sequenza iniziale per capire che sei nel posto giusto: quell'apertura seducente di gesti non scontati, di sentimenti mai apertamente dichiarati. E' quella reticenza - quel dire altro e non tutto -, quelle sigarette fumate in silenzio, che fa di <Burning> il film da vedere questa settimana. 

Nel disordine della casa dove il sole batte solo una volta al giorno, il ragazzo che dà da mangiare a un gatto <invisibile> (in fondo il trucco è dimenticare che <non esista>...) si innamora della compagna di scuola che aveva dimenticato: ma un brutto giorno lei sparisce nel nulla. Che ne sappia qualcosa Ben, quel suo ricco amico  che scherza col fuoco? 

Tratto da un racconto di Murakami, un thriller esistenziale, sinistro e intrigante, diretto dal coreano Lee Chang-Dong (suoi gli acclamati  <Oasis> e <Poetry>), maestro nel leggere le sotterranee dinamiche dell'amore e della violenza. Un film raro, che tocca corde segrete, figlio di una cinematografia – quella coreana (quest'anno consacrata anche dalla Palma d'oro) – in splendido stato di salute. Davvero, è tantissima roba. Anzi, di più: è abbastanza.