Il prigioniero coreano: la trappola dell'ideologia di un Paese che sono due

Ricordo un giorno a New York, molti anni fa: il tassista ci chiese da dove venivamo. Noi gli ricambiammo la cortesia. Rispose: <Corea>. Fu lì che un amico toccò, senza volere, un tasto dolente: <Quale Corea? Del Nord o del Sud?>. Lui si infuriò: <La Corea è una sola>.

Ecco: se vi interessa capire (e dovrebbe, ve lo assicuro: perché in gioco c'è ben più del destino di due Paesi che sono <uno solo>) qualcosa sull'odio cieco, istituzionalizzato e fratricida che da 70 anni spacca in due una penisola e una civiltà antichissima, bisogna che investiate un paio di ore di un tempo (il vostro) che per una volta non sarà perso. Perché non c'è davvero telegiornale, inchiesta, reportage che ve lo possa spiegare meglio – e in maniera più chiara e onesta – dell'ultima prova, riuscita assai, del grande Kim Ki-duk. Il regista di <Ferro 3> e <Pietà>, che con <Il prigioniero coreano> gira un film semplice, amaro ed emblematico: un apologo prima politico, poi kafkiano e infine umanissimo sul feroce e attualissimo paradosso di una libertà individuale ovunque schiacciata dalle logiche paranoiche del potere.

A causa di un guasto della barca, un pescatore nordcoreano oltrepassa il confine: una volta al Sud, viene imprigionato e trattato come una spia. Una volta rientrato al Nord sono però le autorità locali a spremerlo per essere sicuri che non sia stato contagiato dal capitalismo...

Quella del Nord è una dittatura, dove si vive in povertà; quella del Sud, in compenso, spreca a più non posso e vive di sospetti e paure: meritoriamente ripescato dalla Tucker (a un anno e mezzo dalla prima a Venezia), <Il prigioniero coreano> mette nella rete due Paesi contro. Denunciando la trappola dell'ideologia: che umilia, a ogni latitudine, i singoli e i popoli.

Un ragazzo, un viaggio, un cavallo: la ballata di Charley Thompson

E' bello come una canzone, di quelle suonate con una chitarra scordata intorno al fuoco, quando viene sera e la voce si fa roca. Un ragazzo, un viaggio, un deserto (anche morale) da attraversare: è un racconto di formazione, lungo la strada che porta al confine della maturità, il nuovo film di Andrew Haigh, il regista di «Weekend» e «45 anni». Che arriva al cinema in sella all'epica struggente della ballata di Charley Thompson: il figlio 15enne di un'America orfana e smarrita, adolescente perduto in cerca di un po' d'affetto - da dare e da ricevere - e di un briciolo, se possibile, di normalità. Tra una madre non pervenuta, un padre che fatica a stare lontano dai casini e un altro putativo, ruvido e maneggione, Charley si affeziona a Lean on Pete, un cavallo da corsa che ormai però non vince più. Tanto che il proprietario vuole sbarazzarsene. Ma il ragazzo non ci sta: e scappa col cavallo...

On the road emotivo girato con grande sensibilità e misura (quelle inquadrature a camera fissa fuori dalle porte, a incorniciare un momento, un istante, un sentimento), <Charley Thompson> è una storia da ascoltare in fila coi disillusi tenendo in mano il bicchiere mezzo vuoto dell'amarezza, ma senza perdere mai la speranza: un film che si incammina insieme a un'umanità bloccata, smarrita, nell'America più profonda e marginale, tra chilometri, ketchup, patatine, reduci che giocano con la playstation, ragazze troppo grasse e biscotti della fortuna. Là, in mezzo al nulla dove è più difficile ritrovarsi, riconoscersi: ma pur sempre avanti, un passo dopo l'altro, verso qualcosa di meglio, verso un approdo sicuro. Tratto dal romanzo del cantante Willy Vlautin, che guarda a Steinbeck, il film  funziona anche grazie al bravissimo Charlie Plummer (premio Mastroianni alla Mostra di Venezia) che restituisce con intensità lo spaesamento del suo personaggio e quello del mondo.

Tonya, l’ultimo trionfo della regina di ghiaccio

Se volete raccontare una storia, beh, raccontatela così: con questo spirito e queste facce. E questa voglia. Che in fondo la vita è come un'enorme pista di ghiaccio: per quanto cadi bene non sarà mai sul morbido. Un biopic non convenzionale, aggressivo, grottesco, scritto scorretto, girato disinvolto e montato energico: l'ultimo, tardivo, trionfo di Tonya Harding, la pattinatrice made in Usa protagonista di uno dei più grandi scandali nella storia dello sport mondiale, alla cui rocambolesca parabola l'australiano Craig Gillespie dedica ora un film cattivo e divertente, sempre molto sul pezzo, che dà del tu allo spettatore e non si fa mettere i piedi in testa da nessuno.

Sulle note di alcune delle più popolari hit degli anni '80-'90 (da <Romeo & Juliet> dei Dire Straits a <Gloria> di Tozzi nella versione di Laura Branigan), Gillespie guarda all'altra faccia del sogno americano rievocando, col necessario sarcasmo, la storia vera della prima americana capace di eseguire un triplo axel (una delle figure più complesse del pattinaggio artistico): diventata però famosa per ben altro. Cresciuta con una madre inaffettiva e insopportabile, accanita fumatrice che vanta un'invidiabile collezione di matrimoni naufragati, Tonya da bimba invece di giocare con le bambole spara ai conigli: ma coi pattini ai piedi, nonostante i più la considerino solo una bifolca, è un portento. Dalle botte di mamma passa rapidamente a quelle del marito: il suo stile anticonformista, più coraggioso che elegante, però  sul ghiaccio  comincia a pagare. Argento ai mondiali, prima ai campionati nazionali: fino al sogno di un'altra Olimpiade. Dove l'avversaria più accreditata è la compagna di squadra Nancy Kerrigan. Che poco prima dei giochi viene colpita alle gambe da uno sconosciuto: una maldestra e ignobile aggressione di cui vengono accusati Tonya e il marito...

Finto documentario in 4/3, voce off, personaggi che parlano dritto in macchina: spavaldo e senza remore, <Tonya> - forse uno degli ultimi film targati Mira max (l'assai vacillante casa di produzione fondata da  Weinstein) -  nel ritratto privo di sconti  dell'eterna incompresa (nella vita come sulla pista) di un'America profonda incapace di assumersi le proprie responsabilità, indaga anche sull'ipocrisia piccolo borghese dell'istituzione sport, che non ama le bad girl ma solo le sorridenti e malleabili cenerentole che siano spot vivente di  <una sana famiglia> a stelle e strisce. Secondo al Festival di Toronto  solo al bellissimo <Tre manifesti a Ebbing, Missouri> (e davanti a <Chiamami col tuo nome> di Luca Guadagnino), il film di Gillespie arruola qualche idiota alla Coen, ma risplende, oltre che per l'approccio non convenzionale, per le strepitose interpretazioni di Margot Robbie (era la sex bomb di <The wolf of Wall Street>) e di quella baciata dall’Oscar di Allison Janney, migliore attrice non protagonista nel ruolo di una delle peggiori madri di sempre.

Ready Player One: Spielberg, il Sacro Graal e il gioco della vita

Non ha Facebook, né Twitter, né Instagram, rimpiange i Duran Duran e probabilmente smanettava con i primi Atari. E può permettersi di affrontare (metaforicamente) quel tronfio di Zuckerberg e dirgli in faccia: <Ehi bimbo, tu non lo sai: ma tutti i sogni più belli li hanno inventati quelli come me>. Perché nel grande gioco della vita solo chi non gioca ha già perso.

Cercheranno di convincervi che è solo un popcorn movie pieno di effetti speciali e invece è veramente un bellissimo film quello con cui Steven Spielberg difende dall'abisso di un mondo fasullo sempre più social che sociale il valore inestimabile della realtà, l'introvabile Sacro Graal di una società virtuale che invece di affrontarli evade dai suoi problemi.

Nel 2045, in un'America stanca dove non ci si ribella più per i diritti civili ma al massimo per la banda larga, l'unico passatempo è Oasis, un incredibile mondo virtuale dove Wade, un ragazzo, forse cerca solo se stesso...

Irresistibile celebrazione della cultura pop degli anni '80, immaginifica riflessione sulla solitudine contemporanea (o da tastiera...), <Ready Player One> è un film manifesto spiritoso, creativo e spettacolare che gioca meravigliosamente con la nostalgia di quello che potremmo perdere. Il regista di <E.T.> ci mette tutto: <Quarto potere> e <Space invaders>, <Ritorno al futuro> e <Gundam>, <Alien> e Michael Jackson. E in un omaggio continuo, senza sosta – geniale e <definitivo> quello a <Shining> (<vieni a giocare con noi?>) -, fonde come nessuno prima il film game al teen action ricordandoci il piacere di un universo (<ci siamo dimenticati come si sta all'aria aperta>) più lento e autentico. Perché <per quanto spaventosa, la realtà rimane l'unico  posto dove fare un pasto decente>.

Hostiles, un western politico e feroce nella terra sacra dell'integrazione

Sembra morto, ma è solo svenuto: feroce e virile, spietato quanto il mondo che racconta, il western batte un colpo. E lo fa alla sua maniera, sfruttando al meglio la luce naturale, stagliando in un orizzonte amplissimo figure dolenti e pietrificate: per riflettere sì sul mestiere di uccidere, ma, soprattutto, sulla necessità di ascoltare - e provare nonostante tutto a comprendere (e qui il messaggio è attualissimo) - chi è diverso (o altro) da noi. Guarda dentro l'anima assassina e vendicativa dell'America (senza paura di sapere cosa ci troverà), ma insegue una riconciliazione necessaria, una pacificazione anche interiore, <Hostiles>, il film denso e brutale di Scott Cooper che va oltre il genere per scheggiare, sgretolare, con barlumi di umanità il muro incrollabile delle certezze. E attraversare, in sella a una speranza, la terra sacra dell'integrazione: là dove ogni differenza merita rispetto.

Piombo, odio e critica sociale nella storia, dagli echi fordiani, di un capitano dell'esercito stanco di guerre costretto suo malgrado a scortare un famoso capo indiano, ora anziano e malato terminale, fino al territorio dove è nato.

Classico e in parte enfatico, <Hostiles>, costellato di lutti e prese di coscienza, alimenta il dibattito sull'incapacità di comprendere e accettare lo straniero. E' roba da duri, che se scappi ti becchi un proiettile nella schiena: un western politico dalla confezione di classe che sconta una sceneggiatura un po' ripetitiva e schematica. Ma la chiusura è buona: così come l'interpretazione, trattenuta e interiorizzata, del cavaliere oscuro Christian Bale, che dà luce e verità al suo capitano morto dentro.