Cafarnao, i bambini ci guardano

Le due anziane signore al tavolino vicino al mio erano sicure, direi addirittura certissime: e, tra una cozza e l'altra, per nulla intimorite dala barriera della lingua, avevano deciso di comunicarlo se non al mondo intero almeno a me. <Il film più bello? E' Cafarnao>. Una sentenza, quasi. Ed è da allora, dal Festival di Cannes del maggio scorso – dove, tra molti appalusi, vinse il Premio della giuria - che <Cafarnao> della libanese Nadine Labaki, non fa che dividere: sopravvalutato da alcuni, oserei dire, forse obnubilati dal Muscadet, ma, d'altra parte, sicuramente (e programmaticamente?) sottovalutato da altri, che ne vedono solo le scorciatoie emotive e i ralenti compiaciuti.

Intendiamoci, in realtà, il film, di spiccata vocazione neorealista (la pietra angolare qui è <Sciuscià>), non è niente male, piace al pubblico (che piange grato) e soprattutto ha una gran bella idea di partenza: a Beirut infatti, un ragazzino indigente di 12 anni, dopo innumerevoli traversie (è stato arestato per avere accoltellato l'uomo a cui i genitori hanno dato in sposa la sorella minore), trascina i suoi genitori in tribunale. Con quale accusa? <Per avermi messo al mondo>. Il <la> è notevole, il resto (si pensa soprattutto a <Salaam Bombay>) un po' già visto: ma mentre l'incessante rumore degli elicotteri minaccia altre guerre a lacerare un Paese già ferito, il film (candidato all'Oscar) che la regista di <Caramel> gira ad altezza bambino mette in scena alcuni dei problemi più urgenti dell'oggi: miseria, emarginazione, spose nemmeno adolescenti, sfruttamento degli immigrati. E' lo sguardo degli ultimi che si posa su un mondo che va in giostra: una tragedia collettiva che in tribunale porta anche il diritto alla speranza.

Donbass, paradossi e follie di un Paese che brucia

È uno di quei gioielli chiusi dentro a una cassaforte di cui si è persa la combinazione: uno dei tanti film invisibili che, in una stagione lunga, a volte esaltante, altre molto meno, rischiamo di perdere, di sacrificare sull'altare del caos distributivo, dell'invasione massiccia dei blockbuster, del cinema commerciale a ogni costo. Ecco, «Donbass», in questo senso, è un film da (fare) vedere: e non solo perché è la prova più recente di un grande maestro - Sergei Loznitsa -, che a Parma fece il tutto esaurito con «Austerlitz» o perché ha vinto il premio come migliore regia a «Un certain regard», la sezione che ha inaugurato nel maggio scorso a Cannes. Ma perché è un film che non fa sconti, un affresco doloroso e grottesco sulla (sua) Ucraina in guerra, capace di tradurre in fiction alcuni video amatoriali visti su Internet ed episodi realmente accaduti durante il conflitto tra l'armata ucraina e i separatisti filo russi.

Un presente che brucia e che trova accoglienza e ospitalità stasera alle 21 al cinema Edison (che ha il merito di riportare alla luce oggetti preziosi che rischiano altrimenti di restare per sempre nel buio), nell'ambito della rassegna Panorama. Cuciti insieme 13 episodi, l'autore costruisce un film a forma circolare (splendidi sia il prologo, a macchina a mano, che l'epilogo - con inquadratura fissa -, entrambi ambientati nello stesso luogo con i medesimi personaggi) dove la Storia è costretta a guardarsi nello specchio deformato dell'inferno e la follia collettiva prevale sul giudizio politico. E tra morte, miseria e corruzione, «Donbass», decostruito il linguaggio e lo stile del reportage televisivo, dà forza al paradosso, riflettendo, in modo non convenzionale, sulla verità e sul ruolo etico delle immagini. E sul modo in cui esse vengono manipolate dalla propaganda, in un mondo in cui anche la realtà e le sue vittime sono, prima o dopo, al servizio di un copione.

Il rigore dello sguardo: la rivoluzione (non) russa

C'è la battaglia sul ghiaccio sulle note di Prokofiev, ricordi immortali con cui confrontarsi in un pianeta ostile, una ragazza che aspetta invano l'amato, altre che, invecchiate, fanno, senza censure, il bilancio della loro vita: ci sono uomini, donne, orfani in prima linea, pittori di icone. E sequenze di arte pura studiate ancora in tutto il mondo. Perché il cinema russo è così: uno scrigno che contiene un tesoro, parole e immagini che hanno arricchito tutti. Da preservare, da salvare, dall'oblio. Che poi è la missione, il grande progetto, che il cinema D'Azeglio porta avanti con «Per una storia del cinema» ormai giunto al 14° anno. Che vivrà una nuova grande avventura con i capolavori (dodici in tutto) del cinema russo proposti nella rassegna (che terminerà il 30 maggio) «Il rigore dello sguardo».

L'obiettivo è quello di riproporre su grande schermo opere fondamentali spesso mai viste dalle nuove generazioni. Organizzata dalla Cooperativa Cinema D'Azeglio, con l’assessorato alla Cultura del Comune di Parma, il patrocinio di Europa Cinemas e di Acec Emilia Romagna e grazie al sostegno dell'assessorato alla Cultura della Regione Emilia Romagna, «Il rigore dello sguardo», rassegna a ingresso gratuito, ha appena alzato il sipario con due classici assoluti del cinema russo: «Ottobre» e «Alexander Nevsky» capolavori di Ejzenštejn. Tra i i titoli imperdibili in cartellone (l’appuntamento è al giovedì) quelli di Tarkovskij (da «L'infanzia di Ivan» a «Solaris», ma anche gioielli meno noti come «Quando volano le cicogne» e «Mosca non crede alle lacrime».

Alessandro e gli altri: la meglio gioventù del cinema italiano

Alessandro e i suoi fratelli: dietro a Borghi, che bacia il David a dedica il premio come migliore attore italiano a Cucchi (e agli esseri umani), si muove e scalpita la meglio gioventù.

 In un momento critico per le sale (- 4,98% nel 2018) - vittime di una crisi che coinvolge tutta l'Europa (Gran Bretagna esclusa) - il cinema italiano guadagna consensi (incluse le co-produzioni gli incassi l'anno passato sono saliti del 23,8%) e, soprattutto, cambia pelle: moltissimi infatti gli attori e le attrici sotto i 35 anni che stanno prepotentemente prendendo la scena, imponendosi, spesso e volentieri, in prodotti di qualità. L'indiscusso numero uno di questa nuova ondata che ridisegna i connotati del nostro cinema (e non solo) è sicuramente Alessandro Borghi che, dopo tanta gavetta televisiva, lanciato da «Non essere cattivo», ha dimostrato un'incredibile versatilità, misurandosi con ruoli (e sfumature) molto differenti tra loro (dal disagio periferico del Chicano di «Fortunata» al martirio di Stefano Cucchi, fino al fango di un film-scommessa come «Il primo re»), portando, inoltre, avanti una carriera parallela (e densa di soddisfazioni) nelle serie, mostrando non solo il muso duro della Roma di «Suburra», ma cullando il sogno di una notorietà internazionale grazie a «Devils», girato in inglese.

MARINELLI E COMPAGNIA 

A giocarsela con Borghi, a quel livello lì, è per ora solo Luca Marinelli, che con Alessandro è amico e condivide uno dei titoli migliori della carriera di entrambi, «Non essere cattivo», film testamento di Claudio Caligari. Dopo essersi fatto notare con «La solitudine dei numeri primi», Marinelli - premio Schiaretti qualche giorno fa qui a Parma - ha firmato una lunga serie di interpretazioni frastagliate e mai banali, da «Tutti i santi i giorni» a «La grande bellezza», fino al De Andrè televisivo: ma l'abbraccio del grande pubblico arriva con il cattivo de «Lo chiamavano Jeeg Robot». 

Dietro, crescono in tanti: penso al Simone Liberati di «Cuori puri» (e de «La profezia dell'armadillo», dove ha rivelato una tenera vena comica) e ai due ragazzi de «La terra dell'abbastanza», Matteo Olivetti e Andrea Carpenzano: lanciatissimo specie quest'ultimo che, appena 24enne, dopo «Tutto quello che vuoi» (dove scopriva la poesia grazie a Montaldo) si prepara a diventare un calciatore ne «Il campione» in cui terrà testa a Stefano Accorsi.

 Ma sono molti i nomi da tenere d'occhio: Andrea Lattanzi di «Manuel», film piccolo ma molto apprezzato, al figlio di Castellitto (e della Mazzantini), Pietro, Alessio Lapice (con Borghi ne «Il primo re»). E altri due che fanno (molto) sul serial: Salvatore Esposito, il Genny Savastano di «Gomorra» e Giacomo Ferrara, lo «Spadino» di «Suburra».

RAGAZZE VINCENTI

Attori sì, ma anche (soprattutto?) attrici: il ricambio generazionale del nostro cinema passa anche attraverso a una serie di interpreti agguerritissime che non si fanno mettere i piedi in testa dai colleghi uomini. E restano bene aggrappate al centro dell'inquadratura. A correre verso il successo «Veloce come il vento» è la 23enne Matilda De Angelis che, lanciata da Matteo Rovere, ora si appresta a interpretare la fata Turchina per il «Pinocchio» di Garrone e a girare una mini serie negli States. Chi lavora senza pausa è Ileana Pastorelli, altra scoperta di «Jeeg» e poi molto vista accanto a Verdone e ora nel cast delle «Brave ragazze» dirette dalla Andreozzi. Unico rischio per l'ex gieffina? Essere sempre troppo uguale a se stessa. Attivissima anche un'altra over 30, Greta Scarano, gli occhi segnati e una carriera che si divide tra cinema («Suburra» e «Smetto quando voglio) e parecchia tv. Tra le più interessanti c'è anche «La ragazza del mondo» Sara Serraiocco, classe '90, un'altra che - grazie alle serie («Counterpart» in questo caso) - ha caratura internazionale. Viene dal teatro (anche il nostro Due) e dà l'idea di potere arrivare lontano, Matilde Gioli, attivissima, da “Il capitale umano” a “I moschettieri del re” e poi, l'intensa Linda Caridi di «Ricordi?», mentre stanno sgomitando ma meritano la prima fila anche la Daphne Scoccia vista in «Fiore» di Giovannesi, che la scovò in una trattoria dove faceva la cameriera e Selene Caramazza di «Cuori puri». Discorso a parte per Miriam Leone: ex Miss Italia, ha dimostrato a più riprese di non avere sfondato solo perché bellissima. Credibile sia nella commedia che nel dramma, ha dato il suo meglio nel ruolo di Veronica Castello nelle serie dedicate a Tangentopoli, «1992» e «1993» a cui seguirà a breve «1994». Nel gruppo, infine, anche Valentina Bellè, la Fulvia di «Una questione privata» (e Lucrezia de «I Medici») e Tea Falco, scoperta da Bernardo Bertolucci in «Io e te».

L'UNDER 21

C'è una vera e propria nazionale di giovanissimi che si sta facendo largo nel cinema italiano: formidabili ad esempio «L'amica geniale» Gaia Girace e Francesco Di Napoli de «La paranza dei bambini», 15enni cresciuti all'ombra del Vesuvio. Le «Indivisibili» Angela e Marianna Fontana piacciono (specie quest'ultima, vista anche in «Capri-Revolution») moltissimo, mentre il 21enne Adriano Tardiolo  deve dimostrare che non è l'attore di un solo («Lazzaro felice») film. Cosa che è già riuscita a fare Blu Yoshimi, dopo «Piuma» ora sugli schermi con «Likemeback», dove c’è anche la bellissima Denise Tantucci, una delle ragazzine dei “Braccialetti rossi”. Crescono, nelle fila dei govanissimi, anche la 17enne parmigiana Noa Zatta e il 2000 Ludovico Girardello, che hanno diviso il set de «Il ragazzo invisibile 1 e 2». Infine, le lolite di «Baby»: Alice Pagani e Benedetta Porcaroli. La serie sulle studentesse prostitute è piaciuta poco: ma soprattutto Alice - voluta da Sorrentino per «Loro» - può trovare il suo paese delle meraviglie.

Dumbo vola, Tim Burton non più

E' il santo protettore degli outsider, il difensore d'ufficio dei freaks, dei diversi, degli emarginati, l'angelo custode di chi non è uguale (e nemmeno vuole esserlo) a nessun altro. E allora chi meglio per rilanciare il suo cinema di un famoso elefantino con le grandi orecchie, capace addirittura di librarsi in aria? In fondo, gli elementi del successo annunciato c'erano tutti: una creatura dolcissima e stravagante, un mondo crudele in cui tutti, prima o dopo, siamo orfani, il circo, luogo (anche) cinematograficamente deputato alla meraviglia. E all'illusione. Insomma, pensi a <Dumbo> in carne ed ossa (ed effetti digitali) e non ti viene in mente qualcuno che lo possa fare meglio di Tim Burton: è la sua comfort zone, la sua tazza di tè. E invece il grande regista di <Edward mani di forbice> e <Big fish> credeva di volare e non vola: gli manca la polvere magica, esaurita già da alcuni anni. E un po' di convinzione.

Era lecito attendersi un film più visionario, anche classico per carità (l'originale, vero cult dell'animazione, è del '41...) eppure moderno, potente, <politico>, contemporaneo. Ma Burton non riesce a trasformare questa fiaba della separazione e del ricongiungimento in un suo manifesto, in una pellicola esplicitamente dark, rimanendo un po' intrappolato nella formula del film per tutti, mostrandosi - nonostante la naturale empatia trasmessa dall'elefantino volante che, nell'America di un secolo fa, diventa la grande attrazione di un circo in disarmo -, poco incisivo, a tratti piatto, altre persino vecchio. C'è lo spettacolo, la rivincita, il desiderio di essere, ovunque, famiglia: ma anche il messaggio animalista sembra un po' appiccicato, tardivo. Quasi come se il regista de <La sposa cadavere> fosse finito sul treno giusto: ma avesse sbagliato fermata.