Fronte del palco: Lady Gaga, A star is born

Ci sono loro: che non è poco. Perché lei è una diva assoluta, una tipa da milioni di dischi, che per la prima volta si mostra al naturale, struccandosi persino l'anima, scoprendosi bellissima anche se non la è davvero, priva, finalmente, di quei quintali di accessori, di tinte, di costumi. E perché lui è quello di <Una notte da leoni>, ma anche di <American sniper> e de <Il lato positivo>, tre nomination all'Oscar, nonni italiani, una figlia con la super model Irina Shayk e il desiderio di mettersi in gioco, senza spocchia, anche come regista. E poi c'è la musica: e quella sì, conta. Fronte del palco, live, struggente come una ballata country oppure acclamata e cantata all'unisono come una hit del momento. La musica che è ovunque, che è dappertutto: partitura sentimentale con cui dare un senso allo sgualcito pentagramma della vita.

C'è tutto questo in <A star is born>, il filmone romantico e disperato che segna il doppio debutto (lui alla regia e lei nel cinema, con un personaggio che ha più di qualcosa di autobiografico) di Bradley Cooper e Lady Gaga: ma, a dire il vero, è anche un po' tutto qui. Nella chimica (sexy, empatica) che si innesca tra i due protagonisti (e allo stesso modo tra gli interpreti, chiamati a darsi reciprocamente fiducia), nelle canzoni (tante e alcune molto belle: le nostre preferite sono <Shallow>, <Always remember us this way> e <Maybe it's time>), nella love story da consumare e bruciare sulla via del successo.

Remake del remake del remake di un film che già di per sè si ispirava al mito di Pigmalione, il <nuovo> <A star is born> (l'originale è addirittura del '37, la versione più famosa è quella con Judy Garland del '54, la più recente e riconoscibile quella del '76 con Barbra Streisand) ha sicuramente i crismi del successo annunciato (e negli Usa qualcuno già parla di Oscar...),  ma al di là di un bell'approccio iniziale (più personale della seconda parte, meno riuscita) fatica onestamente a imporsi per scrittura, non riuscendo a fornire originalità a una rappresentazione in realtà piuttosto convenzionale.

Nella storia di un cantante alcolizzato che lancia nello showbiz una ragazza che non crede in se stessa, innamorandosene e facendone una star, destinata poi a osservare, nella sua irresistibile ascesa, il declino dell'altro, Cooper (convinto giustamente da Lady Gaga a cantare con la sua voce anche se l'ultima volta che si era esibito era ancora al college...) maneggia un soggetto iconico (una scelta rischiosa, ma anche <di difesa> in un certo senso), un melò senza tempo: ma in diversi passaggi il suo film appare frettoloso (nonostante i 135 minuti di durata), là dove il cuore della pellicola avrebbe dovuto invece essere più maledetto, più tossico, più vissuto. Oltre che più fondo. E così, alla fine, più che il Bradley Cooper regista è Lady Gaga attrice a lasciare il segno: è nata una stella. Ma non da oggi.

Papa Francesco, il rivoluzionario sorridente che strego’ Wenders

E' il rivoluzionario deciso a farsi ascoltare da un <mondo sordo>, il pacifico guerriero che combatte la globalizzazione dell'indifferenza, il carismatico leader politico di uno Stato minuscolo che conta però su milioni di - fedeli - sostenitori. E, più di tutto, <Un uomo di parola>. Lo stesso che a chi si accanisce a costruire muri, dice: <Fate ponti, piuttosto>.

In nome del Papa re (degli ultimi, degli esclusi, dei rifiutati), Wim Wenders racconta, come nessuno ha fatto prima, un ribelle chiamato Francesco: l'apostolo dei giusti arrivato dalla fine del mondo, il servo di Cristo che viaggia in utilitaria e  inizia ogni giornata con un sorriso. Un documentario, <Papa Francesco. Un uomo di parola> - nato grazie all'iniziativa di Solares, fondazione parmigiana  -, in cui il santo padre si rivolge direttamente al pubblico  spiegando la sua idea etica del mondo.

La difesa del lavoro, la forte spinta ecologista, la lotta contro la cultura dello scarto,  lo <scandalo> della povertà, la pedofilia, il cambiamento che deve partire dall'interno: messo di fronte ai temi più urgenti e scottanti dell'oggi, il Papa non si tira indietro cercando quasi un dialogo immaginario (ma a senso unico) con lo spettatore. Wenders si fa piccolo davanti a Bergoglio, che in un certo senso se lo <mangia>: più che un film sul Papa, un film <del> Papa. Di cui il regista de <Il cielo sopra Berlino> celebra l'enorme peso sociale montando insieme vari estratti dei suoi discorsi pubblici, ma anche attraverso (è il rischio più grande – e meno risolto - che si prende il film) un parallelo con San Francesco, gran visionario alla perenne ricerca, come il Papa che porta il suo nome, di un mondo più solidale, equo, finalmente in pace.

Opera senza autore: l’autoritratto della Germania

<Se l'artista non è libero, nessuno lo sarà>.

Dopo il brutto <incidente> di <The tourist>, Florian Henckel von Donnersmarck torna a spiare dal buco della serratura della Storia le vite degli altri: la sua è un'<Opera senza autore> che affronta a viso aperto, senza distogliere lo sguardo, la <coerente follia tedesca>, tra le colpe dei padri che perseguitano anche i figli e la ricerca di una verità - insita anche nell'atto del creare – improcrastinabile, necessaria. Dalla Germania nazista del '37 agli anni del dopo Muro: tre ore che ti passano bene, con uno stile <comodo> (e patinato) che però appartiene più ai canoni del film per la tv, al piccolo che non al grande schermo. Eppure, nella vicenda umana di un giovane pittore (ispirato a Gerhard Richter) che incrocia il proprio destino con quello di un ex medico delle SS, la pellicola si scopre anche appassionata, non tanto magari nel logico sviluppo del melò quanto nella nemesi dell'arte, in quel trasformare le ferite più fonde del suo protagonista (e il trauma di una nazione) nella materia (consolatoria) dei suoi sogni, in dipinti <rubati> al passato, a una realtà da ricodificare.  Gli affreschi propagandistici della Ddr, le eccentriche avanguardie dell'Ovest, la natura dell'ispirazione e il rapporto (sempre malato) col potere: il regista dimostra grande facilità  narrativa, allestendo una comfort zone molto ampia per il pubblico pagante. E' generoso, anche troppo: e un po', stavolta, lo siamo anche noi.

The wife, la donna invisibile

E' seduto su una montagna di risentimento, su una menzogna così grande che mina e rende traballanti le sue stesse fondamenta, <The wife>: che è sì un film (soprattutto stilisticamente) convenzionale, ma ha d'altra parte a che fare, in maniera molto attuale, con la condizione femminile; con la silenziosa invisibilità (purtroppo non solo al cinema) di donne costrette a nascondere il proprio genio, a vivere nell'ombra di uomini di cui sono decisamente (e in ogni senso) migliori, a rinnegare un talento che la società e il sistema maschilista non vogliono accettare né tantomeno riconoscere. Signore in disparte, buone a reggere il cappotto del marito e magari a sopportarne i tradimenti: come Joan, devota consorte di uno scrittore a cui è stato appena assegnato il Nobel.  Che come entrambi sanno non avrebbe mai vinto senza il fondamentale aiuto della moglie...

Attraversato da flashback rivelatori che inquadrano la gioventù dei protagonisti, <The wife> (che ha più di una similitudine con <Big eyes> di Tim Burton) riflette  sul dono-condanna della creatività, tra lo strazio della mancanza di talento e l'orrore di non poterlo esprimere liberamente. Lo svedese Bjorn Runge si limita al compito assegnato, facendo del libro di Meg Wolitzer un film sulla coppia, sulle bugie di quello stremato stare insieme una volta chiamato amore, ma che negli anni è diventato abitudine, necessità. Il qualcosa in più arriva però dagli interpreti, Glenn Close e Jonathan Pryce, bravissimi: su ogni ruga dei propri personaggi scrivono il dirupo dell'amarezza, su ogni piega del volto l'abisso della fragilità.

Girl, l’inferno dell’identità in un debutto osannato

Ci sono film che sono sorprese: e a volte anche regali. Senza fiocchi, senza confezioni: nudi – e liberi - nella loro verità. Arrivano inaspettatamente, senza invito, ma accolti, magari, tra lacrime e ovazioni: come <Girl>, l'opera prima, osannata all'ultimo Festival di Cannes (dove ha vinto la Camera d’oro), di un 26enne belga, Lukas Dhont. Che si avventura  con molta delicatezza e ancora maggiore comprensione (ma con altrettanta forza espressiva) in un terreno minato e a forte rischio di semplificazione come quello del cambiamento di sesso. Affrontando l'inferno dell'identità per realizzare in realtà un film doloroso, vero e determinato sull'adolescenza, sulla difficoltà di crescere, di essere, di trovarsi.

La storia di Lara, che in realtà è nata Victor: prigioniera di un corpo non suo, intrappolata in uno specchio che non smette di rifletterla <sbagliata>, si sta preparando all'operazione che può cambiarle la vita; ma nello stesso tempo si impegna allo spasimo per coltivare il suo grande sogno: essere ammessa in una prestigiosa scuola di danza classica.

Sentirsi donna ma non poterlo essere davvero, almeno non completamente, se non attraverso vincoli, limitazioni, stratagemmi: resa tangibile (specie nelle faticosissime, frustranti, sessioni di danza, montate tra loro in maniera molto energica) la lotta interiore di una giovane eroina che a soli 15 anni ha deciso chi vuole (e deve) diventare, Dhont smonta le facili convinzioni sulla nostra percezione dei generi facendo sì che il suo film sia attraversato non solo da un desiderio prepotente e confuso, ma da un'ansia, da un'apnea che sottolineano anche le sequenze più morbide. Come se la corda – tesa verso il domani, verso l'ignoto - fosse sottile e bastasse un nulla per spezzarla. E' la cifra - la guerra - di una pellicola che descrive con molta cura e attenzione il rapporto tra l'adolescente e suo padre (che l'appoggia completamente, ma non può fingere di non preoccuparsi per lei), imponendosi con uno stile indie di non scontata tecnica e riuscendo a sopravvivere anche a un finale choc dove si prende grossi rischi: merito anche dell'interpretazione realmente strepitosa e sorprendente del 16enne debuttante Victor Polster (migliore attore di <Un certain regard>),  ballerino professionista che sullo schermo diventa quello che Lara è già: una donna.